« Il suffira de se rappeler que, dans la mesure où les rites et les croyances liées au Père Noël relèvent d’une sociologie initiatique (et cela n’est pas douteux), ils mettent en évidence, derrière l’opposition entre enfants et adultes, une opposition plus profonde entre morts et vivants ». Claude Lévi-Strauss, Le Père Noël supplicié, éditions Sables, 1996.

Aveux non avenus de Claude Cahun.

Il est peu d’artistes qui représentent autant la lutte pour la liberté individuelle que Claude Cahun. Androgyne, se moquant des diktats, dédaignant les catgories, essentielle à la pensée des surréalistes mais refusant d’en faire partie, résistante acharnée pendant la guerre mais n’intégrant aucun réseau, Claude est toujours en marge. Aveux non avenus représente exactement cette manière d’exsuder l’indépendance à chaque souffle.

Sur ce photogramme issu du film Confessions d’un jeune militant de Florence Lazar, réalisé en 2008, deux mains s’échangent un livre. L’une, plus jeune, à gauche, tend le livre à celle qui semble plus âgée, à droite. Elles forment une ligne horizontale au milieu du cadre qui est celle, dans cette œuvre, du lien et de la transmission.

« Sur ce tableau noir, des noms ont été écrits, des étoiles dessinées, une constellation s’est formée qui porte le nom d’« Égalité ». Nous pouvons lire au centre, Al Assifa [la tempête], nom du collectif théâtral fondé en 1973 par Philippe Tancelin, Geneviève Clancy et Mohamed Bachiri – dit Mokhtar – militants pour le droit des travailleurs immigrés en France »

Un colloque en ligne proposé par Marta Ponsa et Peter Szendy
avec la participation d’Emmanuel Alloa, Ursula Biemann, Emanuele Coccia, Keller Easterling, Aude Launay, Margarida Mendes, Evan Roth et Clémence Seurat.

Gordon Matta-Clark (1943-1978) se forme à l’architecture à l’université Cornell d’Ithaca, dans l’État de New York (États-Unis), avant d’en réévaluer les principes, les formes et leurs conséquences sur la vie quotidienne des habitants. Influencé par les réflexions des artistes du Land Art autour des notions d’espace et d’entropie qu’il découvre dans l’exposition « Earth Art » en 1969, Matta-Clark décide de consacrer son travail non pas à ce qui est construit, mais à ce qui est détruit, se défait et disparaît.

Dans son roman « Léviathan », Paul Auster s’inspire de Sophie Calle, de ses rituels, de ses pratiques artistiques et photographiques pour créer un de ses personnages, Maria …

Peter Hujar a composé un portrait saisissant du milieu artistique et intellectuel newyorkais des années 1960 à 1980. Dès les années 1950, sa professeure d’anglais à la School of Industrial Arts, Daisy Aldan, également poète et traductrice de Baudelaire, l’initie à la littérature.

« Alors que Lines in the Sand aborde le concept du double ou du fantôme d’Hélène, j’irai à Las Vegas, le casino du désert, afin de copier une copie des icônes égyptiennes dans une ville d’illusion et de hasard. J’utiliserai aussi des vieilles photographies et des maquettes dans l’atelier pour faire des vidéos en toile de fond ». Joan Jonas

« Il recherchait ce qui avait disparu et ce qui était rejeté. Aussi, de telles images prennent-elles le contrepied de la connotation exotique, fastueuse, romantique attachée aux noms des villes ; elles aspirent l’aura du réel comme l’eau d’un bateau qui coule. »
Walter Benjamin

Dans le contexte de rénovation du centre de Paris, du chantier des Halles et de la construction du Centre Pompidou qui donnent lieu à un certain nombre de débats, Gordon Matta-Clark propose une intervention monumentale.

Si la ville moderne est un « collage » permanent composé des rencontres les plus improbables, alors la ville du futur peut être envisagée comme un montage encore plus surprenant.

Considéré comme artiste « dégénéré » par le régime nazi, Raoul Hausmann quitte précipitamment l’Allemagne en mars 1933 et rejoint Ibiza, qui se peuple progressivement d’exilés attirés par la vie bon marché de ce territoire.

Dans cet ouvrage, publié à l’occasion de l’exposition Paris to
New York : Photographs by Eugène Atget and Berenice Abbott *,
les photographies d’Eugène Atget et de Berenice Abbott se
répondent.

Le travail de Michael Schmidt (1945-2014) est indissociable de sa ville natale : Berlin. C’est en tant que gendarme mobile qu’il a commencé à arpenter le territoire berlinois et à s’y intéresser avant de consacrer son travail photographique à ses mutations.

Une rue déserte dont l’asphalte laisse passer quelques touffes d’herbe, un ensemble immobilier aux volets tous identiquement fermés, une grappe de pavillons dont on ne sait s’ils sont flambants neufs ou abandonnés : voici la vision que Guillaume Greff nous offre dans son ouvrage Dead Cities.

Première monographie consacrée au travail de Ben Rivers, Ways of Worldmaking explore la diversité et l’ampleur de son œuvre à travers une documentation centrée sur une série d’expositions mettant à l’honneur le cinéaste expérimental britannique.

Hors de leur terrain de jeu habituel, cette équipe de footballeuses prend la pose dans le studio de Kazimir Zgorecki, photographe d’origine polonaise qui s’établit à Rouvroy dans le Pas-de-Calais en 1924.

Patineur effectuant une pirouette, coureur sautant un obstacle, tennisman frappant la balle avec adresse, débuts de l’automobile et de l’aviation… Jacques Henri Lartigue photographie avec passion et une même acuité, les sportifs professionnels et les sportifs amateurs de son cercle familial et amical.

Le sport est-il un loisir ou une performance ? Avec l’avènement de la presse illustrée à partir des années 1920, la pratique de la photographie sportive accompagne l’idée que le sport est une occupation professionnelle ou tout du moins une activité d’initiés. Les clichés des photographes professionnels montrent les athlètes en pleine performance, dans des postures de demi-dieux, la photographie permettant de supprimer visuellement toute idée de gravité, de difficulté ou d’effort. Seul l’instant de l’exploit est montré, occultant presque tout ce qu’il a fallu de sacrifices – entraînements, échecs, blessures – pour arriver à un tel résultat. Documentation céline duval met au défi ce paradigme dans Sport de vie…

C’est à l’occasion de l’exposition consacrée au travail de James Coleman, à l’Irish Museum of Modern Art, en 2009 à Dublin, que cette monographie fut publiée. Son travail, au-delà de sa richesse intrinsèque, fut décisive pour plusieurs générations d’artistes d’une école dublinoise prolifique. On trouve dans cet ouvrage un essai très complet de Dorothea von Hantelmann sur son installation-vidéo Box.

La carte postale cinéma de Marie Losier

« Suite à la carte blanche et à la rétrospective que j’ai eues la joie de présenter au Jeu de Paume en novembre 2019, voici deux autres films qui me tiennent à cœur. Ils me permettent de continuer cette programmation et d’enrichir la belle amitié initiée entre le cinéma de mon New York Underground et le Jeu de Paume. »

La carte postale cinéma d’Emmanuel Burdeau

« L’invitation du Jeu de Paume m’a tout de suite fait penser à deux films, les deux seuls au tournage desquels j’ai jusqu’à présent assisté. L’un et l’autre sont de Pedro Costa : Dans la chambre de Vanda et Où gît votre sourire enfoui ? Pourquoi ces deux-là ? Parce qu’ils auraient dû être projetés ce printemps. Parce qu’ils ont constitué, au début des années 2000, deux étapes majeures de la conquête du cinéma par le numérique. Parce que tous deux, depuis leur fabrication jusqu’à leur achèvement – leur projection –, nouent l’intérieur et l’extérieur d’une façon qui, en cette année 2020, ne peut que prendre une résonance singulière. »

Une carte postale n’a pas le droit d’être banale si elle veut toucher son destinataire. Lì per lì, de Pierre Léon, se présente comme une espèce de petit film de vacances entre copains (du 14 au 23 août 1994), tourné sans moyens mais non sans soin dans une belle maison de campagne. La campagne, l’été, le soleil, une grande maison vide : une image de vacances, qui fait rêver en ce moment. Et pourtant, il fuit la banalité.

Une carte postale cinématographique de Jacques Aumont.

Le travail d’écriture de Leslie Kaplan a toujours entretenu une relation à la fois distanciée et subtile avec la société de consommation : ses dérives constantes, ses contraintes parfois imperceptibles, les aliénations qu’elle suscite et dont elle se nourrit en permanence […]

Une conversation entre Leslie Kaplan et Dork Zabunyan, autour de l’exposition Le Supermarché des images.

Une proposition d’Hélène Giannecchini, 2015

L’œuvre de Manon Bellet est un dénouement. Ses images ne sont pas simplement le résultat d’une prise de vue et d’un tirage, mais d’une somme d’actions complexes, d’un temps lent d’élaboration.

En octobre 1976 paraît le manifeste infraréaliste de Roberto Bolaño dans la revue “Correspondencia infra”. Ce texte, Bolaño l’a écrit dans l’atmosphère d’effervescence créatrice des ateliers d’art et de poésie qui se forment dans les universités mexicaines au milieu des années 1970, en l’occurrence à l’Universidad Nacional Autónoma de México.

Par Françoise Docquiert, janvier 2012
« Vernissage à la galerie Michel Rein de l’exposition Americans in New York proposée par Ami Barak. Je suis tout de suite attirée par le travail de LaToya Ruby Frazier dont je connaissais seulement quelques tirages. Premier regard sur ses photographies : du noir et blanc apparemment assez classique entre intimité et documentaire social, des sujets dans la tradition de la grande photographie américaine — on pense à la section photo de la Farm Security de la fin des années trente : ouvriers sidérurgiques, population locale livrée à la pollution, à la misère et à la maladie. »

« J’imagine Tanger comme je pourrais imaginer New York, Tokyo, Berlin… et pourtant je n’y suis jamais allée. Ce sont des villes de cinéma. Elles ont une double nature : celle de l’expérience réelle du monde, l’autre de la fabulation magique de l’image… »